絵は、何も描かなければ単なる白く限定された空間でしかありません。

でも、其処に、ポタリと墨がこぼれたら

紙は生き物になるのです、それは空間が認識させられるからです

その墨がこぼれた大きさや位置、色合い、形で更に多くの感覚が生まれます

形とは形に血が宿るところから生まれています。

ですから型と区別して使われるのです。

型は複製が基本にありますが、形は一期一会、二度と同じものはありません。

紙に下ろされた、たった一つの形や色、それが残された空間に
どのように影響するのかその部分の感じ方を感性と呼ぶのです。


これも制作しながら磨いて行けます。

でも決して小難しい話ではなく、読み物として読んでも知識が増します。

ある時絵手紙の生徒さんに「この紙の色は何色？」と訪ねました。

全員「白で～す！」　

「正解！でも間違いです。」

「エッ　どうして間違いなんですか？」

そこで私は、更に白い紙を取り出して、先ほどの紙と比べました。

「どっちが白いですか？」

「う～～～～～ん　後のほうです」

そうなんです、白いと思っているのは思い込みなんですね。

正しい答えは「白っぽい」ですね。

こうして、物事には常に複数の捉え方、感じ方があるという事を学ばせます。

また、絵手紙指導で絵の具は極力混ぜない！というのが一般的ですが

私はほとんどを混ぜます

これは好みの問題と片付ければそれもその通りでしょう。

ただ，世に言われる味わいのある色は、ほとんど混色です

織物作家の志村ふくみさんは「草木の命をいただく」と言われましたが・・・・・
草木は生きています、その生き方は様々で、それが色として出るのです。
今年の桜と昨年の桜では色の出方が違ってしまうそうです。

外国ではよく知られた所の、トスカーナカラー

レオナルド ダ ヴィンチやミケランジェロが活躍したフィレンツェのある地方です。

ここの色合いはとても落ち着いた温もりを感じさせます。

要するにくすんでいる。

印刷の色指定の時、わずかに黒を数％入れるだけで、ハッとする味が出るのです。

真っ白な花・・・・・でも光を反射すれば白飛びして眼が痛くなります

俗にいうピーカンでは、写真家は決して撮影しません。

書道用のラシャ布　こちらも御用達の１００均である。

黒いほうが落ち着いて感じるが、好みで好きなものを選べばよろしい

なぜ１００均かというと、こちらはご丁寧に裏面にビニールが
コーティングされていて、滑り止め効果が抜群

欠点は薄いので少々安っぽい。

これは私固有の技法の一つ、葉脈などを書き込むのに持って来いの道具

こちらも御用達１００均に行けば裁縫用具などの傍に大抵あります。


本当は時計修理用のヒゲピンセットが最高
でも、今時入手は不可能でしょうね、私はこれを４０年以上使い続けています。

ピンセット以外に、目打ち、千枚通し、針、釘、用がなくても妻ようじ・・・・・

色々な道具を試しましたが、これが一番使い勝手や力のバランスが保ちやすい
それがリッパーです。

これも私特有の使い方があります、これも実技の中で説明いたします。

画材屋さんで水彩用具の一つとして扱っています。
通常は広い面積を一気に濡らすために持ちます。

筆やハケだとむらが出る可能性がありますが、
これだと色を吸い込ませているので、水分を補給しないでも塗れるという事です。

要するに墨拭用の布

木綿が良いです、最近はアクリル繊維が多く、これは吸水性がありません。

なければまたまた１００均の墨拭きガーゼ、２枚入りです、
これを濡らして絞って使います。

事務用腕貫カバー

これも、私の技法ではほとんど毎回使うものです。

机等の汚れなどが衣服に付着するのを防ぐためのものです。

以上でだいたい必要な用具の説明が整いました。

「まだですか～～～」

これだけの道具を揃えなければ始めることは出来ないのか？

と言う疑問が生まれるでしょう。

子供の使っていた筆や絵の具があるから・・・・・

描けないことはありません、ただ目的とはかけ離れたものになるでしょう

プロならば、どのような条件下でもそれなりの成果は出さねばなりませんが・・・・・・

通常は投げ出す言い訳の一つになります。

私は、手の抜けるものは抜いております。

普段つけていると、なくした時に大変だから、ダイヤの指輪は金庫にしまっておき、
ジュリコンやスワロスキーをはめる方もお有りですが、そんなことしても
顔に出ます「バレはしないか」と！いう心理が

それよりもスワロが本物に視えるような雰囲気を持ったほうが本物らしく見えます。

それは割り切っているからです。

水入れをバカラのクリスタルカットのボールに変えても、ペットボトルにしても、
絵には何も影響はありません、心理満足も大切な要素かも？。

但し、水は非常に影響が出ます。

良い水、これは水の分子（クラスター）が小さい程、絵具の発色が良い

理由は、紙の繊維の奥まで顔料が届くので、深みが出るのです。
クラスターが小さければ、紙の繊維の奥に入り込み、染まりますが
大きいと繊維の間に挟まった状態になり、光の透過率が下がって薄く見えます。

書家の人で、この水をブレンドして目的の色やにじみを出している作家も居ます。

水道は駄目と言っているのではなく、究極は限界が深いという話です。

水道で充分です、最もカルキによって絵具が変色することはやむを得ませんが、

人の作品と見比べて、自分の作品を評価しないことです。

自分の作品を比較することで個性が育ちます。

自分の物差しで人を計らず、人の物差しで自分を語らないこと。

どんなに頑張っても鳩は孔雀になれません、逆も又同じでしょう？

それぞれに良いところがあるのです、それを活かすことが個性を育てることです。

そのための様々な工夫やノウハウがあり、これは見た目だけでは
なかなか盗み取ることは難しいと思います。

この葉っぱの雰囲気はどうやって描くのですか？

「ヒ・ミ・ツ」・・・・　冗談ではなく、私の言う通りに描けば、誰でも描けますよ！

筆先を豆の背中部分に沿わせながら、タップリ色を含ませて左右に引き伸ばす。

数回左右に動かしながら形を整える。

通常の絵では、筆を平らに寝かせる描き方はしませんね、
太い筆で適当に抑えればその面は描けますから。

でも、細かい芸を併せ持つ私の描き方には不向きです。

必要な絵具の量が含めれば良いのです。

乾かない内に次の作業に取り掛かるには、必要最小限で良いのです。

次に、洗った筆を、きれいな水に少し浸し、余分な水分をフキンで吸い取らせて

豆の形になるように、円く擦りながら色を抜く。

これを繰り返して、豆の膨らみが感じられるように拭い取る

豆の先端部分を描き加え、ガク（ヘタ）の部分を書き加える

最後に枝の付け根を描き込み、枝が裂けた感じに赤印の方向に
指先でこすってカスレさせる。

（本来は渇筆と言う技法を用いますが
それは運筆や速度など経験が必要な高等テクニック！　
まずは、このこする方法で充分です。

仕上げは文字と言葉

「いつでもまめがいい」

文字は豆を取り囲むように右から左へ書き進み、また右へと戻る

豆とマメ（元気）を引っ掛けたシャレですが、読む相手の素養によって
いくらでも深読みできます。

マメが枝から離された所に命の痕跡を感じさせる手法

これは生花の奥義「切って繋ぐ」技法の応用です。
同じ考え方に、着物の帯締めがあります、これも上下を別なもので切り離して
強調しながら繋ぐという美学なのです。


注意点

なかなか背中がうまく反らない、どうしてもまっすぐ平行になりがち。

この部分を飲み込めば、マメらしくなります、が

生理的には、マメは背筋にぶら下がって成長するので

其処が背骨のような感じになっているだけなのです。

出来上がったら、さっそく額縁に入れましょう

これこそ最後の仕上げです。

１枚の紙切れが大変身します。

大きさはデッサン用インチサイズ（２５４☓２０３）
またはB5（２５７☓２１０）サイズ、少し余裕の太子（３７９☓２７８）が手頃です。

あくまで飾る場所から選択します。

額縁やマットを交換すれば、又様々なイメージに変える事もできます。

この辺りも楽しみの一つになります。

習うより慣れろ

素晴らしい言葉であり、勇気づけられます

でも、もう一つこんな言葉もあります。

さて、あなたはどちらからアプローチしますか？

習うより慣れろ！スポコンの代名詞みたいですね。

これは手探りのまま走ることで、行く手は難問だらけ

でも確実に自分の物になることは間違いありませんね、これが良いところ。

もう一つの真似ぶ・・・・・

この落とし穴は、1800年台江戸中期　個性派の代表格伊藤若冲がいる。

彼の信念は「師に付けば、師を超えることならず」でした。

習うとは、師の持っているものを習うため、師を超える感性を磨くことは望めない

そんな意味合いを持っているように思います。

伊藤若冲

彼ほどの強烈な個性を持っていればそれも一理あります

その道は手探りであり、イバラの道でしか無いことは判っていたことです。

そうすれば師を超えて伸びるものも現れる

その為には師の懐が深くなければならない、肝要というのではなく

洞察力も必要になる

これは教える側に大変な努力を求めて来る

教えるために一定の決まりを作れば、指導する時に楽になるのもある

私は、絵手紙を指導する際、常に「こんな感じ」と言う表現をします。

これは物事を断言するのではなく、一定の幅を持たせ、各自が自由に感じる
余地を残す、それを目的にしているからです。

例えば「丸い感じ」この意味は「丸ければ少々どうだっていい」と言う含みです。

それでも三角に書けば「あ～～～もしもし！」と　言うだけです。

100人いれば100人が見分けが付くように、一人ひとり違いますが、
みな人間の顔ですそんな意味合いです。

「エッ　？アレは椿ですか？」

トトトッ　　そうです、椿のつもりです、山茶花ではありません。

どう違うのですか？

山茶花の葉は細長いのです、椿は基本的には丸っこいのです。

描く時は「花びらが5枚感じれればよろしい」

それだけです、ですか、自由に形を取ることができるし、少々歪でも構わないのです

椿はこれでなければと言う決まりなんてありませんし、同じ花はありません

哲学書みたいになりましたが、描く前に自由なイメージを持たすためです

自分で自分を縛ってしまわないようにする訓練です。

これまでに述べてきた事を振り返りながら、もう１枚えんどう豆の絵を
描いてみて下さい、きっと新しい味わいのある絵が描けると想います。

それは、真似びながらも、自分の気持ちに沿った動きがあるからです。

りんごを描いても、特級品の、形もつぶも揃った物だけがリンゴではありませんね

少々歪でも、不揃いなリンゴごだって立派にりんごだし、味もみかんの味はしません。

「俺だってりんごなんだァ！」それで良いのです、それこそが描き手が感じ、
表現したりんごなのです。

その気持に沿った言葉を探し、表現する事で、全体が１つの表現に完成するのです。

ある写真家が言ってましたが「ここだ！と言うチャンスにシャッターを切っても

１００枚の中に１枚でも気に入ったものがあれば素晴らしい」

決して、下手な鉄砲数打てば当たる、そんなことではないのです。

１枚１枚が真剣であれば、結果はどうでもよいのです、結果が全てではなく

「俺　ピカソ１枚持っているよ」

「へ～～凄い！！で、幾らした？」

これってお金でしか価値を測れないということでしょう？

少なくとも、好きか嫌いかの判断は持ちたいものですね。

私は、最初に言いましたが、心を癒されるものが上質なものだという
認識を持っています。

初期のピカソには素晴らしい具象作品が多々あります。
よく知られているピカソは、ピカソ自身が素晴らしいのであって、
絵だけが素晴らしいとは限りません。

10代のピカソが描いた作品

作品の向こう側に、作者が視える・・・・・・・

これが心を癒す大切な要素だと私は想います。

絵が温もりを持っているのではない、作者の人柄が作品に
反映しているからなのです。

版画の世界がありますが、数十枚数百枚刷って、全てを売るという行為は
単なる商売

その中で、たった１枚気に入ったものが出来たら、他はすべて焼却してこそ
作品と呼べると想うのですが。

このように、文章を読みながら、自分の作品に対して取り組むスタイルが
生まれてきます。

跡は実践しながら、何度も読み返して肉付けして下さい。

あるガラス作家が、１日焚き続けるお金もなく、やむを得ず生煮えのガラスで
作品を作りました

生煮えのために、泡がたくさん出てしまいました。

商品としては決して良い物とはいえません、割れやすいという欠点を
抱えているからです。

でもそれがメディアに乗って売れたのです「泡ガラス」と言う名前で・・・・・・・

その頃作品が冷める段階で、安定せず作品の肩や首が
少し曲がってしまったものが出来ました。

でもそれを「あるがまま、なるがまま」の良さと評価されたら、多くの作家が
それを真似て、皆首を骨折したり傾げたり肩を歪めた作品のオンパレード・・・・・・

自然になってしまったものと、意図して造られたものでは、似通っていても
段階は違います。

でもそれがわからない購買者は、喜んでそれらを買っているのです。

作家は「罪なものを創ってしまった」と後悔していましたが。

茶人、千利休の師で武野紹鴎と言う人が居ましたが、「侘びの文」の中で

『侘びと云ふこと葉は、故人もいろいろに歌にも詠じけれども、

ちかくは正直に慎み深く、おごらぬさまを侘びと云ふ。

　一年のうちにも十月こそ侘びなれ』

こう残しています。

知る事は生かせる事に直結していますが、知らなければ全くゼロと同じです。